Fuera De Sistema

Fuera De Sistema es una banda del alto Valle. 2010 Checho Gonza e Matias empesaron a hacer cover de Bandas poderosas de Punk Rock entre ellas RAMONES E CARAJO. A la semana Checho Conocio un compañero e le pregunto si tenia interes en una banda , el le dijo "SI VENITE TOCAMOS" . Entonces No fue nada, pero tenia un amigo al que fue y le conto como era la banda e hcieron dos ensayos, y el ultimo integrante que entro como bajista fue Karim Ramone , y haci ensayaron , la primera vez salio buen sonido e han echo tres ensayo de la casa de Gonza. hasta Karim consigui sala de ensayo y de ahi pudieron pracicar bien, por que al ver no tenian microfono e volvian con la cabeza roja y sin voz. a la semana no dijieron que tocaramos en las GLobas de Oro, y la verdad Fue un lindo concierto de todas las bandas fue un 24/05/10 Ayer. Fue la primera vez que esta banda toco arriba de un ecenario con gente. Lo sorprendente como decian, esta banda soalmente Tiene un Mes como Banda, y ensayos 15, y la banda quedo haci
Gonza C. (2da Guitarra y vos)
Mati B. (1ra Guitarra Coro)
Checho A. (Bateria)
Karim R. (Bajo y Coro)


GRACIAS A LOS CHICOS QUE ESTUVIERON PRESENTE. CULTURA DESDE ABAJO .HAGAMOS RESPETAR NUESTROS DERECHOS DE CULTURA...

Los Zeppelin..!

Se los "acusa" de haber inventado el Heavy Metal, quizás no en su forma más degradada, pero si en actitud, acordes y apariencia.

No es un "metal" puro porque a ellos les sonaba bien, seguramente por la influencia de Cream y los Yardbirds de donde venía Jimmy Page, el guitarrista de la agrupación.

Efectivamente, Led Zeppelin tuvo sus raíces en lo que quedó de los Yardbirds. Jimmy Page intentó rescatar la banda disuelta por Jeff Beck y la rebautizó como los Nuevos Yardbirds, pero en 1968 ya habían desaparecido. Entonces Page decidió concretar un sueño: una banda que tocara blues psicodélico. Para ello convocó a su amigo el bajista John Paul Jones con quien ya había tocado en proyectos de Donovan, Herman's Hermits y Petula Clark.

Page recibió noticia sobre un nuevo cantante de blues de Birmingham de quien se decía tenía un gran potencial. Entonces viajó para verlo en escena. “Su rango vocal era increíble”, recuerda Page. “Pensé, ¡un momento! Aquí hay algo raro, a él nadie lo conoce” se ríe. “No podía entenderlo. Pensé que debía ser alguien raro o algo así. Entonces se acercó donde estaba y pude ver que era una buena persona. Sigo sin entender porque para entonces no había destacado...”

En la casa de Page empezaron a escuchar toda la música que les gustaba, desde Buddy Guy hasta Muddy Waters y Elvis. Entonces Page salió con una idea descabellada. Puso a sonar “Babe I'm Gonna Leave You” de Joan Baez y le dijo a Robert Plant que quería tocar ese tipo de canciones “pero pesado, con mucha luz y sombra.”

Las cosas rápidamente tomaron forma en la mente de Plant quien le sugirió a Page el nombre de su amigo y compañero de grupo John Bonham para la batería. La primera reunión del grupo fue en una sala muy pequeña debajo de una venta de discos en Londres.

En el primer ensayo, explota el más puro y desenfrenado rock. Acabando la primera canción ( Train Kept a Rolling ), los cuatro se miraron uno al otro y dijeron: "es eso lo que vamos a hacer, y va a funcionar."

Estando el grupo formado y con algunos números ensayados, el próximo paso era contratar el empresario que cuidase de los intereses extramusicales, y la persona escogida fue Peter Grant, cuya única experiencia era con el grupo Combo, que más tarde se llamaría The Animals.

No les faltaba más nada a los New Yardbirds que se fueron de excursión a Escandinavia a terminar con algunos compromisos adquiridos anteriormente por la banda. De regreso en Londres, Jimmy decidió dar otro nombre al grupo. El nombre vino de una charla entre Jimmy Page, Keith Moon, baterista de The Who y un chofer. Moon tenía ganas de dejar The Who y se sentó con Page a buscar el nombre para la banda que formarían juntos: Led Zeppelin.

Al final del 68, Led Zeppelin, encontraba algunas dificultades para imponerse como nombre de respeto en el rock inglés. Por donde pasaban eran bien recibidos por el público, pero no conseguían sensibilizar a la prensa.

Después de algunos contactos inútiles para conseguir grabar, pues Peter Grant no tenía una referencia contundente para mostrar a los ejecutivos de las disqueras, apareció Dusty Springfield, una veterana catante, que le dio su aval a estos jóvenes casi desconocidos, diciendo que los conocía y eran realmente muy buenos. Con esa ayuda, Led Zeppelin firmaba su contrato con la grabadora americana Atlantic, valiendo también para Inglaterra.

Su primer disco se grabó en Olympic Studios y fue la primera vez en que Robert Plant cantó dentro de un estudio con las condiciones apropiadas. Según recuerda el cantante “cuando terminaba de catar entraba a la cabina para escucharme, era tan pesado, tenía tanto poder que era devastador. Tenía mucho trabajo por hacer con mi voz en ese entonces, pero el entusiasmo y lo maravilloso de trabajar con la guitarra de Jimmy... era demasiado. Todas esas cosas, pedazo a pedazo, se fueron convirtiendo en una especie de marca para nosotros. Terminamos el disco en tres semanas. Jimmy invirtió todo el dinero de los Yardbirds, que no era mucho, en nuestra primera gira. Nuestro personal de gira era una persona, pero aún así nos fuimos...”

Su primera presentación en Inglaterra fue el 15 de octubre de 1968 en la Unviersidad de Surrey donde aparecieron con el nombre de Led Zeppelin y apoyados por el baterista de Who, Keith Moon. En esta presentación Jimmy Page interpretó su solo de guitarra usando un arco de violín, idea sugerida por el padre de David McCallum, el protagonista de la serie televisiva “El Hombre de UNCLE”.

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin . Fue producido en tres semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre del '68, y tuvo un éxito inmenso con la crítica y el público, lo que serviría de preludio al que ha sido una de las mayores influencias del rock posterior, su segundo disco: Led Zeppelin II , con el que la banda se consagró definitivamente. El LP llegó al número 1 en las listas británica y estadounidense destronando a Abbey Road de los Beatles y permaneciendo allí durante siete semanas.

Led Zeppellin II fue un disco que se escribió prácticamente en la carretera mientras la banda se forjaba un nombre en Estados Unidos. En Inglaterra el estilo blusero de la banda apenas pegaba, Peter Grant vio la oportunidad del otro lado del Atlántico cuando el grupo de Jeff Beck canceló una gira norteamericana junto a Vanilla Fudge.

Grant llamó a los promotores de la gira y los convenció de meter al Zeppelin en el avión que cruzaría el mar. Luego Grant convenció a los miembros de la banda de dejar el calor de sus hogares en Navidad para embarcarse en una gira que los llevaría a Los Ángeles a presentarse en “Wisky A-Go-Go”

“Lo importante”, recuerda Plant, “era que Peter nos dijo que sino rompíamos en San Francisco, tendríamos que regresar a casa. Era el lugar considerado esencial, la crema de todo el movimiento. Era la prueba de ácido, olvidate del Kool-Aid, y si no éramos convincentes se notaría enseguida. Yo dije ‘he cantado durante años, estaré feliz de cantar en cualquier lado'. Pero él tenía los ojos puestos en algo que yo ni siquiera me imaginaba.”

Led Zeppelin compartiría el escenario con Taj Mahal, Contry Joe y Fish. Cuando llegaron se dieron cuenta que los promovieron como grupo de apertura. En ese momento se dieron cuenta que tenían dos opciones: lo hacían o desaparecían. Led Zeppelin subió a la tarima con la sangre en el ojo. Jimmy Page sentía que algo estaba pasando con la audiencia. “Se sentía como un vacío y nosotros habíamos llegado para llenarlo”. “Primero esta fila, después aquella... era como un tornado que se fue llevando todo”.

Para cuando llegaron a Nueva York eran un número por derecho propio. Su gira en Estados Unidos se repitió tres veces en 1969.

El éxito de Led Zeppelin II se debió a que el grupo se había amalgamado y que en “Whole Lotta Love” Plant había encontrado su voz y Jimmy Page su poder como guitarrista.

Ninguno de los integrantes recuerda como surgió el riff de guitarra de “Whole Lotta Love”. John Paul Jones dice que fue durante una improvisación de “Dazed and Confused”. Por su parte Robert Plant afirma que “sin importar de dónde haya venido, todo se debió a ese riff. Cualquier reconocimiento debe ir a Jimmy y sus riffs.”

Led Zeppelin III tenía influencias de Sunset Strip, los Byrds, Buffalo Springfield y Moby Grape. Junto a la pasión del grupo por el blues el resultado realmente redefinió qué era el rock duro. El resultado fue su peor venta en años, aunque sus presentaciones en vivo eran cada vez más importantes.

Los conciertos de la banda eran realmente impresionantes. Cada vez que se interpretaba “Dazed and Confused” por casi 45 minutos la gente se volvía loca. Algo similar pasaba con el solo de batería de Bonham en “Moby Dick”.

Tras su tercer disco, Led Zeppelin III , algunos acusaron al grupo de no ser más que un conjunto de virtuosos unidos bajo un mismo nombre, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971 . Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV , fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande “ Stairway To Heaven .”

Led Zeppelin IV entró a las tiendas en silencio en 1971. Un disco maduro pero con la dureza musical de sus predecesores. Era un estilo musical impresionante para una banda que seguía siendo un trío con un cantante.

Bonham y Jones se sentían más confiados en sus habilidades. Bonham interrumpió el trabajo en una canción para meter la base musical de “Keep A-Knockin'” de Little Richard, en tanto Jones trajo una idea inspirado en Muddy Waters.

“Quería que intentáramos un blues eléctrico con una parte fuerte para el bajo” recuerda Jones. “Pero no podía ser muy simple. Quería que girara sobre sí misma. Se la mostré a los muchachos y empezamos a trabajar en ella. Luchamos con el giro hasta que Bonham resolvió el problema contando hasta cuatro, como si no existiera gira. Ese era el secreto. Igualmente, la habíamos puesto el nombre por un perro que andaba dando vueltas por el estudio. El perro no tenía nombre, así que le pusimos a la canción ‘Black Dog'”.

El punto alto del disco era “Escalera al Cielo”. La canción que ha sonado más veces en la radio norteamericana. El tema empezó como muchas canciones de Led Zeppelin en una cinta grabada en el estudio de Jimmy Page. El primero en oírla fue John Paul Jones. “Bonzo (Bonham) y Robert se habían dado un descanso, mientras que yo me quedé trabajando en el asunto. Jones y yo empezamos a ensayarla juntos y luego la ensamblamos con batería y todo. Robert estaba sentado al lado de la chimenea y creo que para ese momento tendría el 80% de la letra en su cabeza.”

“Sí” dice Plant, “me senté al lado de Page mientras tocaba. Se hizo muy rápido. Tomó un poco de trabajo pero fue muy fluido.”

En 1973 salió a la venta “Houses of the Holy” en el que se experimentaba aún más que en los discos anteriores. Melodías poderosas, pistas más largas, más sintetizador y orquestación de órgano. Con “ The Song Remains the Same ", " No Quarter " y " D'yer Mak'er " el grupo empezó a expandir nuevamente las fronteras de la música rock. Su gira de 1973 en los Estados Unidos volvió a batir marcas de asistencia cuando se congregaron 56 800 personas en su concierto de Tampa en Florida. Tres conciertos con entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York fueron filmados en celuloide para producir un especial cinematográfico que nunca se completó.

Un año después crearon su propio sello grabador llamado Swan Song. El nombre vino de una de las cinco canciones que nunca salieron en alguno de sus discos.

1975 vio el lanzamiento de “Physical Graffiti” un doble álbum en el que se incluyó una colección de canciones altamente complejas como “Ten Years Gone”, la acústica “Black Country Woman” o las excéntricas “Tramped Under Foot” y “Kasmir”. La salida del disco provocó que todo el catálogo de Led Zeppelin volviera a entrar dentro de los 200 discos más populares en Estados Unidos.

La gira de conciertos que le siguió incluyó 5 noches abarrotadas en el Earls Courts de Londres. Era el momento cumbre de la banda, nadie en la música era tan grande como ellos.

Si la fama del grupo era impresionante en el escenario y en las ondas de la radio, lo mismo pasaba con lo que ocurría detrás de bambalinas. Led Zeppelin viajaba en su propio Jet, alquilaban porciones enteras de los hoteles y se convirtieron en sujeto de las historias más raras sobre lo que sucedía en esos espacios. Habitaciones semidestruidas y visitantes nocturnas eran el denominador común.

En 1976 el grupo tomó un descanso de las giras y empezó a producir “Fantasy” con segmentos filmados en los conciertos de “The Song Remains The Same”. Durante ese período Robert Plant y su esposa tuvieron un accidente de tránsito en Grecia en el que él resultó con solo una fractura en su muñeca, mientras que su esposa solo sobrevivió gracias un vuelo a tiempo a Londres donde una transfusión de sangre apenas le salvó la vida.

Con la opción de las giras definitivamente fuera de la agenda el grupo se concentró en grabar “Presence”. El LP alcanzó la categoría de platino, pero representó un cambio importante en el estilo musical de Led Zeppelin. Ahora su música era menos compleja y los arreglos musicales pesados daban paso solos de guitarra. El punto alto del disco fue “Achiles Last Stand” en el que la batería de Boham tomaba altura acompañada por las descargas de guitarra de Page.

El disco recibió críticas mixtas. Mientras unos sonreían frente a un estilo más simple, otros lamentaban la pérdida del lado más creativo y artístico del grupo, y lo atribuían directamente a los excesos en los que vivía el grupo. Fue en 1976 cuando Page empezó a usar heroína, lo que gradualmente empezó a interferir en las presentaciones del grupo y en las grabaciones.

A finales de 1976 se empezó a exhibir el filme del concierto “The Song Remains The Same” y se puso a la venta la banda de sonido en un doble LP. A pesar de la fecha de lanzamiento, el pietaje de la película era de 1973 de las presentaciones en el Madison Square Garden. El disco no es necesariamente el mejor disco en vivo que se haya producido, pero fue el único que produjo la banda hasta el posterior lanzamiento de las Sesiones en la BBC de 1997 y “How The West Was Won” de 2003.

En 1977 el Zeppelin partió de nuevo hacia los Estados Unidos. Antes de su llegada las entradas estaban agotadas en Chicago, Los Ángeles, Nueva York, Seattle y Cleveland. Sin embargo, la gira debió ser cancelada. Primero la muerte del hijo de Robert Plant, Karac obligó al cantante a volver a casa inmediatamente y por otra parte una parte importante del equipo de apoyo del grupo fue arrestado (incluido Peter Grant) cuando molieron a patadas a uno de los integrantes del Staff organizador del concierto.

En el verano siguiente se fueron a grabar a Suecia, al estudio propiedad de ABBA. “In Through The Door” sirvió para que John Paul Jones y John Bonham se lucieran en “Carouselmabra” y “Fool in the Rain”. También se incluyó la balada que Plant le dedica a su hijo “All My Love”.

Luego de una década de grabar e ir de gira por el mundo el grupo es considerado como un dinosaurio por algunos, sobre todo porque el gusto popular se había ido hacia el disco o al punk. Aún así el grupo tenía una base de seguidores amplia y el disco llegó sin complicaciones al número uno en Estados Unidos y el Reino Unido.

Los dos veranos siguientes prometían mucho para el grupo. El de 1979 empezó con dos conciertos en Copenhage y siguió con otro frente a 150 mil personas en el festival de Knebworth. Luego vendría la gira por Estados Unidos.

Sin embargo, la gira norteamericana de 1980 no pudo ser. El 25 de setiembre de 1980 justo antes de empezar la gira, el baterista John Bonham murió asfixiado luego de haber bebido alcohol durante un día completo. Durante dos meses los restantes integrantes del grupo se debatieron entre si seguir o deshacer Led Zeppelin. La decisión la anunciaron en diciembre de ese año: El Zeppelin regresaría al hangar para no volver a salir.

Dos años después de la muerte de Bonham el grupo sacó a la venta “Coda”, una colección de tomas inéditas de discos anteriores. Durante los siguientes años un chorro constante de discos con sus grandes éxitos ha mantenido a la banda en las listas, pero su música sigue sonando por mérito propio.

Después de “Coda” aparecieron cantidades de rumores de que la banda volvería. En realidad era más el deseo de la gente que el de los integrantes del grupo. Sin embargo, y para sorpresa de propios y extraños en 1985 Led Zeppelin apareció en el concierto Live Aid. Jones, Plant y Page interpretaron " Rock and Roll ", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" con Tony Thompson y Phil Collins en la batería.

Cuando en 2004 salió a la venta el DVD del evento los integrantes de la banda prohibieron el uso de sus imágenes.

Sin embargo, la actuación los dejó con ganas de más y empezaron a considerar seriamente incluir a Tony Thompson en la batería, pero un serio accidente de tránsito en el que se vio involucrado el baterista los hizo desistir del proyecto.

Otras reuniones incluyeron la aparición de 1988 para el 40 aniversario del sello Atlantic ó apariciones de Plant y Page en conciertos o especiales de MTV. En 1995 el grupo fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos por los entonces miembros Aerosmith. En el momento de recibir el premio John Paul Jones dijo: “Gracias, mis amigos, por recordar finalmente mi número telefónico.” El texto iba directo a los otros dos miembros del grupo que lo excluyeron del especial de MTV y los conciertos subsiguientes.

La prensa británica reportó en 2002 que Plant y Jones se habían reconciliado y nuevamente aparecieron los rumores de una nueva reunión, que rápidamente fue desmentida por Page.

En 2005 Led Zeppelin recibió el Grammy por su obra de vida, el único Grammy que la banda recibió. Ese mismo año un censo llevado a cabo por una radio británica determinó que “Escalera al Cielo” era la canción más solicitada.

“Miro hacia atrás y me río” dice hoy Robert Plant. “Tenía solamente 19 años cuando me bajé del avión. Es como tener a un niño y ser parte de él. La respuesta a todo eso es madurar, desarrollo y balance. Mucho de esos años era como estar en medio de un patrón de costura que no había sido terminado. No había instrucciones y las páginas se reescribían todos los días.”

The Doors ( Las Puertas Secretas)

Historia
Orígenes: 1965–1966

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda.

Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.

Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.[1] El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".
1966–67: The Doors

El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.

En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.

Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show"[1] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.

Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.
1967: Strange Days
Ray Manzarek, teclado

Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:
Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió.
Paul A. Rothchild

Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino.

"Strange Days" consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".

El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".

El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut.
1968: Waiting for the Sun
Robby Krieger, guitarra

Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.

La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.

Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.

El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.

Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.

El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:[2]
Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse."

Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos?
¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.

Después de unos minutos Morrison cambió el tono:
Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero veros bailando en la calle este verano! Quiero veros divertiendoos. Quiero veros correr por ahí. Quiero veros pintando la ciudad. Quiero veros haciendo ruido. Quiero veros gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver vuestra diversión !!!.

La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:
¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO!

El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."

Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".

Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.

En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".

La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.

El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When The Music's Over" y "Celebration of the Lizard".
1969: The Soft Parade [editar]

Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "undergound", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el metal muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.

Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.

En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas.

Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker.
1970: Morrison Hotel [editar]

El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.

Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.

El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.

El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.
1971: L.A. Woman [editar]

Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.
La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989 [editar]

En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.
La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundo

Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.

Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.

Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.

Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.

Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.
Los años 1990 y después [editar]

En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era.

En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.

Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek publicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:
La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.[3]

Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:
Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.[4]

The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:
Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.[5]

Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.

Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.
Estilo [editar]

El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.
Filosofía [editar]

La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. el nombre forma parte de la cita de William Blake " cuando las puertas de la percepción sean depuradas todo se reflejara ante el hombre tal cual es- infinito"

Rock nacional Argetina!!!

Los redonditos..

Esta banda tiene origen en La Plata, en 1976. Descendiente directa de La Cofradía de la Flor Solar, en un principio no tenía ni nombre ni integrantes fijos, sino que alrededor de 15 músicos se alternaban en los instrumentos. Los tres pilares fundamentales son: el Indio Solari (voz), Skay Beilinson (guitarra) y Carmen Castro 'La Negra Poly" (manager y alma mater), a quienes se podría agregar Ricardo Cohen, "Rocambole", algo así como el director artístico de la agrupación. Skay había integrado Diplodocum, junto a su hermano Guillermo Beilinson, Topo D'Aloisio, Isa Portugheis y Bernardo Rubaja.

Si bien la música siempre formó parte esencial de los shows de Patricio Rey, en las primeras presentaciones en teatros de La Plata se ponían en escena números de teatro y ballet, mientras se repartían verdaderos redonditos de ricota entre el público.

Ya para el '78 se presentan en teatros under de la Capital. Entre 1979 y 1980 la banda se distancia: Skay y Poly se mudan a Mar del Plata y el Indio a Valeria del Mar. Como la costumbre lo indica, a fines de año se reunían para tocar juntos.

En 1981 retomaron el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional, en 1982: "Nene, nena", "Mariposa Pontiac", "Superlógico" y "Pura suerte" fueron los temas registrados en RCA, que logran una importante difusión en las FM porteñas. Para ese entonces también se habían unido a la banda las coristas Bay Bisquits (Vivi Tellas, Fabiana Cantilo e Isabel de Sebastián). También participaba el periodista Enrique Symms, recitando y monologando en la introducción del espectáculo.

La periodista Gloria Guerrero publicaba allá por diciembre de 1982: «Una es imparcial, trata de no tomar partido por nadie, pero a veces es imposible. El grupo que más me interesó en los últimos tiempos hace un recital y quiero que lo sepan. Y además porque es muy difícil que se enteren por otro medio, ya que estos delirantes tipejos no publicitan un cuerno nada de lo que hacen. Las noticias "se corren" y los teatros se llenan» (G.Guerrero en Humor, diciembre 1982).

En diciembre de 1984 grabaron "Gulp", la primera placa, en los estudios de MIA, con Lito Vitale como operador y músico invitado. La plata para esta producción independiente provino de un pozo común formado por un porcentaje de las ganancias de cada show. La distribución comercial corrió por cuenta de la Negra Poly. «Si un productor quiere ocuparse de Patricio Rey en grabaciones, o en lo que sea, está invirtiendo una cantidad. Y para resarcirse de lo que invirtió deberá vender a Patricio Rey de alguna manera que no tiene absolutamente nada que ver con lo que Patricio Rey quiere hacer» (Poly, en G.Guerrero pág 80). Más adelante firmarían un contrato con la Distriubuidora Belgrano. A casi 8 años de su nacimiento, Los Redondos comenzaban a ser conocidos masivamente, con temas como "Barbazul versus el amor letal", "La bestia pop" o "Ñam fri fruli fali fru".

"Oktubre" (1986), la segunda placa, termina de lanzarlos a la masividad. La prensa especializada coincide: "es un discazo que de entrada obliga a adjetivar desmedidamente", publica la revista CantaRock. Los hits más importantes son "Semen-Up" y "Fuegos de octubre".

A comienzos de 1988, Walter Sidotti reemplaza a Avalos en la batería. También se aleja D'Aviero. En noviembre, el que emigra es Crook (se une a Los Abuelos de la Nada) y su lugar lo ocupa Sergio Dawi. Por entonces, los Redondos eran elogiados casi devotamente.

"Un baión para el ojo idiota" es el título del tercer disco (1988), "el que refleja más fielmente el sonido del grupo", según el Indio y que contiene una canción emblemática para ellos y su público, "Vamos las bandas".

"Esa estrella era mi lujo", "La pabellum de un psicópata" y "Héroe del whisky" son los temas que sobresalen del siguiente LP, "¡Bang! ¡Bang! ¡Estás liquidado!" (1989). El 29 de diciembre de 1989, diez días después de llenar dos Obras, se presentan en el campo de hockey del mismo club, ante 25.000 fans, cifra inédita hasta entonces para ellos. El año '90 transcurrió con constantes presentaciones en discotecas y en el estadio Obras Sanitarias. Esto modificó en parte la relación entre la banda y su público. Muchos consideraron que presentarse en Obras consistía en una "traición" a los principios siempre enarbolados de no transar.

En abril de 1991 vuelven a presentarse en Obras. La Policía detiene a unas 40 personas, entre las que se encuentra Walter Bulacio, quien tras pasar horas encerrado en un calabozo y 5 días en coma, muere en medio de declaraciones contradictorias. La carátula pasa de "muerte por lesiones graves" a "muerte dudosa", pero los culpables no aparecen, pese a las marchas de repudio. Desde ese entonces, un nuevo cantito es incorporado por el público: "Yo sabía, yo sabía, a Bulacio lo mató la Policía".

Para fines de ese año, Patricio Rey se vuelve a presentar en Obras con su nueva placa: "La mosca y la sopa" (1991), que tiene en

"Mi perro dinamita" y "Un poco de amor francés" a sus temas más importantes.

El disco en vivo "En directo" (1992) es una especie de "pirata oficial" según el mismo Skay. Incluye grabaciones de shows minuciosamente seleccionadas y remasterizadas en Estados Unidos.

La popularidad de la banda se confirma una vez más en dos presentaciones en el Centro Municipal de Exposiciones, donde estrenan temas nuevos ante 40 mil personas. Patricio Rey se decide entonces a lanzar un disco doble con 25 temas, titulado "Lobo suelto" / "Cordero atado" (1993). Por primera vez en su carrera, los Redondos se animan a un estadio de futbol: dos noches consecutivas en Huracán, con 80.000 espectadores en total, dan prueba de la aceptación del disco.

Tars largos meses de silencio, se anunció una presentación en la ciudad santafecina de San Carlos, en agosto del '95. Para la fecha del show, la capacidad hotelera había sido totalmente saturada y hordas de fanáticos se instalaban en carpas en las afueras de la ciudad. Realizaron dos shows en una discoteca con capacidad para 3000 personas que fue totalmente colmada.

Hacia fines de diciembre de 1998, los Redondos se presentaron en el estadio de Racing, para la presentación del "Ultimo bondi a Finisterre", el noveno disco. Dos shows con más de 45.000 personas en cada uno cerraron un año con Patricio Rey muy cerca de la Capital Federal, como hacía mucho tiempo que no se podía gozar.

Ese esperado show en pleno Buenos Aires tuvo lugar finalmente los días 15 y 16 de abril del 2000 en River. Con algunos incidentes en las inmediaciones del estadio, alrededor de 140.000 fanáticos participaron de un hecho calificado por la prensa de "histórico".

Un año después, Los Redondos se presentaron en el Estadio Centenario de Montevideo, el primero de la banda fuera de Argentina. Y el 4 de agosto de 2001, en el Estadio Chateau Carreras, de Córdoba, tuvo lugar la última presentación en vivo de la banda.

Al show le siguieron varios meses de silencio, hasta que finalmente, Skay y la Negra Poly anunciaron que "al menos por un tiempo", Patricio Rey permanecería en silencio. Luego, Skay anunció el lanzamiento de su primer disco solista, llamado "A través del mar de los Sargazos" y el mismo camino siguió el Indio.

Los Piojos..

Los Piojos se formaron hacia fines de 1988 entre un grupo de amigos de varios barrios y comenzaron su carrera tocando en pubs de la zona oeste del Gran Buenos Aires. En ese entonces la banda estaba conformada por Andrés Ciro Martínez en la voz, armónica y guitarra, Daniel "Piti" Fernández en guitarra y coros, Miguel Ángel "Micky" Rodríguez en bajo y coros, Daniel Buira en batería y percusión, Pablo Guerra en guitarra y coros , Lisa Di Cione en los teclados y Martín Staffolani en el saxo. Su música tiene fuertes influencias del folclore rioplatense (fundamentalmente, tango y candombe) y de los grandes de la historia del Rock como son los Rolling Stones. A principios de los años '90 Los Piojos visitaban los pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin de Ciudad Jardín, Ma Baker, donde Andrés Ciro cantó por primera vez, La Plaza del Avión en Ciudad Jardin. Una noche en Boa Vista Los Piojos tuvieron como invitado de lujo a Skay Beilinson, guitarrista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, después de ser señalados como la banda revelación del año por estos. Fechas inolvidables fueron las de Villa Gesell en el verano de 1989 / 1990. En la costa actuaron 13 veces en 15 noches. Los Piojos dormían en cuartitos de chapa, en camas marineras llenas de pulgas. Pero valió la pena: los vieron casi 100 personas por recital. Eran shows pequeños, para poca gente (muchos espectadores eran amigos de la banda), pero inolvidables para aquellas 60, 70 personas que siguieron a su banda desde el comienzo. Los temas que se tocaban eran desde temas propios, como "Ay que maravilla", hasta covers de los Rolling Stones. Y fue en esos tiempos también cuando fueron marcando el sonido característico de aquella banda que ya asomaba en los barrios.
Los Piojos durante un concierto.

A mediados de 1991, sin disco publicado todavía, fueron invitados a participar del Festival de Música Antirracista de Países del Tercer Mundo en París. Allí compartieron escenario con grupos de Malí, Burkina Faso, Marruecos, Cuba, España y hasta Francia, en este último caso representado por Mano Negra. Esta oportunidad fue un gran salto para la banda.
Debut en los estudios

La ilusión de grabar su primer disco ya venía rondando en sus cabezas. Ya los seguían chicos de varios colegios de Capital. Entre ellos uno de orientación musical, el Esnaola, que tenía entre sus alumnos a Gustavo "Tavo" Kupinski, que tocaba en un grupo llamado Los Sabuesos y conocía a la banda porque su novia era de Ciudad Jardín. Él pasó a reemplazar al violero Pablo Guerra, que finalmente se incorporó a los Caballeros de la Quema.

La idea para el primer disco fue utilizar todo lo compuesto entre el ’88 y el ’92, todo lo que hacían en vivo, lo conocido. Fue la primera experiencia en grabaciones de estudio. Y fue en el invierno de 1992, entre junio y agosto, cuando por fin entraron a estudios en Del Cielito Records. En ese corto lapso registraron Chac tu chac, su primer disco. Éste logró llamar la atención, gracias a su variedad, por un lado "Los Mocosos" y la versión rockera del tango "Yira yira", y por otro las románticas "Tan sólo" y "A veces" mostrando su parte sensible que siempre lucen con orgullo.

Los Piojos trataban de tocar todos los fines de semana, y no les fue nada mal. El año 1993 se caracterizó por la gran cantidad de presentaciones en vivo, incluyendo una gira por el interior que los llevó a Bahía Blanca, Rosario y Mar del Plata.

Sus shows también cambiaron. Ya empezaban a colgarse las primeras banderas, los más desaforados invadían el escenario para bailar con Andrés Ciro, las chicas del público se renovaban fecha a fecha y los pogos crecían cada vez más.
Ay ay ay y el salto al éxito

Ay ay ay, el segundo disco de la banda, aparece a finales de 1994. Fue el primer trabajo con el Alfredo Toth y Adrián Bilbao como guías. Ellos les imprimieron una buena dosis de trabajo, haciéndolos ensayar un mes antes de entrar al estudio. Algunas cosas había que adaptar. El tema que le da nombre al disco duraba en vivo entre quince y veinte minutos, y no podía grabarse de esa forma. La formación tampoco era la misma, gracias a la deserción de la teclista Lisa Di Cione, el quintento quedó conformado por: Andrés Ciro Martínez en voz y armónica, Daniel "Piti" Fernández con la guitarra y en coros, Miguel Ángel "Micky" Rodríguez en el bajo y en coros, Gustavo H. Kupinski en guitarras y coros y Daniel Buira en la batería y percusión. Este segundo disco de Los Piojos fue dedicado a Diego Armando Maradona. Nacía un amor.

Como lanzamiento del disco filman un video clip para el tema "Babilonia". A partir de ahí, tanto el personal estilo del grupo como las interesantes letras de Andrés Ciro Martínez, comienzan a trascender las fronteras y sus temas, a sonar en radios no alternativas.

La escenografía en los escenarios, trabajada para cada fecha, ya era costumbre. El color rojo del segundo disco, "Ay ay ay", llenaba los ojos. En una época, los subterráneos de Buenos Aires musicalizaban un spot propio con el tema Chac tu chac.
La consagración [editar]

1996 fue el año que marcó a Los Piojos para siempre. Reaparecieron con un tercer álbum que los puso al frente de las ventas y los ojos de todo el mundo del rock. Tercer arco, grabado entre junio y julio, fue el primer disco donde llegaron al estudio a completar temas. Ya empezaban a sufrir el karma del músico: el del contrato musical. Esquina libertad y el tangazo Gris se terminaron sobre la hora. El disco fue presentado para la prensa en el Teatro Arpegios. Apenas un par de decenas de periodistas asistieron al evento y se llevaron de regalo uno de los discos más exitosos de los ’90. De fondo, mientras los invitados charlaban con los músicos, después de la conferencia de prensa, sonaba el primer corte elegido: El farolito. Este disco fue disco de oro en pocos días y no tardó en llegar al doble platino. "El farolito", fue cabeza de ranking en varias radios y el video clip de "Maradó", tema dedicado a Diego Armando Maradona, llegó a los top ten de MTV, posición a la cual también llegó el video clip de "Verano Del '92".

Lo que las ventas y los comentarios anticipaban, no tardó en confirmarse. Llegaba un nuevo ritmo, a punto de explotar. Eso derivó en los primeros Obras para la banda. El momento de Los Piojos había llegado. Luego vinieron dos microestadios de Ferro en noviembre y tres Obras más al filo del ’97. En estos recitales, por supuesto, todos completamente llenos, comenzó a darse eso de ritual que sólo entienden los que alguna vez vieron a la banda en directo. Otro acontecimiento llegó a principios de 1997: en julio, dos conciertos a sala llena convocaron a más de 10.000 personas en el Microestadio de Rácing de Avellaneda. En noviembre, en el microestadio del Parque Sarmiento, se dieron cita más de 7000 fans dejando claro que la banda está incorporada a las ligas mayores del rock nacional.
Azul [editar]

Durante este tiempo, apareció "Azul", el cuarto disco de la banda, que fue editado a comienzos de 1998. Este trabajo, en el cual profundizan otros ritmos rioplatenses como el candombe y la murga, fue presentado en vivo en el Parque Sarmiento y en el estadio de All Boys. Después llegó "Ritual", el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo, fue grabado durante los días 7, 8 y 9 de mayo de 1999 en el show que la banda realizó en el Estadio de Obras, conmemorando sus 10 años de trayectoria. Este año lo cerraron con un recital gratuito ante 100.000 personas en la ciudad de La Plata. Para el año 2000, Los Piojos perdieron a uno de sus integrantes, ya que se produjo el alejamiento definitivo del baterista de la banda Daniel Buira (reemplazado por Sebastián Cardero) que se retiró después de una pelea con Gustavo. La banda se repuso de la pérdida y en los primeros días de julio del año 2000 realizaron la Septrilogía en obras, donde tocaron varios invitados, como La Renga, Divididos y Viejas locas. Luego comenzaron la grabación de "Verde Paisaje Del Infierno", el siguiente álbum, que se lanzó el 27 de octubre del 2000 y fue presentado en el estado de Atlanta, el 16 de diciembre. Luego de una serie de denuncias de vecinos del barrio de Villa Crespo por los ruidos molestos que ocasionaba el show la banda se tuvo que mudar al estadio de Huracan.

A finales del 2002 lanzaron "Huracanes en luna plateada", con 19 temas registrados en los shows del Estadio de Huracán, en el Luna Park, en el Polideportivo de Gimnasia y Esgrima de La Plata, en Rosario, en Córdoba y en Mendoza. En el 2003 fueron el número principal del tercer Festival Cosquín, salieron de gira por España y grabaron "Máquina De Sangre", estrenado el día 14 de noviembre. La canción "Como Alí" alcanzó un éxito importante, sonando en todas las radios del país. En diciembre cumplieron el sueño de cualquier banda grande que es tocar en el Estadio de River Plate, ante 70.000 personas donde repasaron durante más de tres horas los temas más importantes de la banda. En el año 2004 comenzaron su año tocando en el Patidromo de Mar del Plata y en el Cosquin Rock, cerrando la cuarta y última noche. Dieron dos shows masivos en el estadio de Vélez Sarsfield los días 22 y 25 de mayo (La fecha real era el 22 de mayo pero se tuvo que suspender por lluvia), para luego de una mini gira por el interior del país tocar en octubre en el Quilmes Rock en la cancha de Ferro brindando un show impresionante. El 27 de noviembre en el Estadio Único de La Plata congregaron a 55.000 personas dando por terminado un año excelente, pero con aliciente de una operación por parte de Ciro que iba a mantener la banda por un tiempo alejado de los escenarios.

Durante casi 9 meses donde se rumoreó la separación de la banda y problemas entre el cantante Andres Ciro y el resto de los músicos lo cual fue negado cuando anunciaron dos shows en Union de Santa Fe y su presentación en el Pepsi Music. Cerraron el 2005 en la cancha de Boca Juniors ante 70.000 personas recordando temas actuales y los hits que marcaron su historia. Además presentaron 3 temas del próximo CD (Uno de ellos no editado en el CD "Civilización" "Llega El Tren" los otros 2 fueron "Buenos Días Palomar" Y "Hoy Es Hoy") En octubre de 2006 sacan su primer DVD, llamado "Fantasmas Peleándole Al Viento" (Frase de la canción "Cruel"), con una recopilación de lo mejor de las presentaciones en el Estadio de Boca Juniors (2005), en Obras al aire libre (Pepsi Music 2005) y en el Estadio Único La Plata (2004), más una versión de “Cruel” de 1992 en la Facultad de Ciencias Sociales, backstages de la grabación de “Máquina de sangre” y el video con las jugadas de Diego que siempre ponen cuando tocan “Maradó”.

El 2007 los encontró inaugurando una mini gira por Mendoza (17 marzo), San Luis (29 de marzo) y Villa María (31 de marzo) antes de volver al estadio de River Plate, en el marco del Quilmes Rock el día 14 de abril acompañado de bandas como Kapanga, El Tri, Ojos Del Brujo (España, abucheados por el público) e Intoxicados. Todo ante la atenta mirada de 50.000 fanáticos. El día 3 de mayo aparece el segundo DVD del grupo llamado "Desde Lejos No Se Ve" el cual incluye entre otros temas "El Farolito", "Cruel", "Tan Solo" y "Como Alí" con imágenes de los shows en los estadios de River Plate (2003), Quilmes Rock (2004) y Vélez Sarsfield (2004).
Gira Civilización 2007 [editar]

El 7 de agosto se lanzó a la venta el noveno disco de Los Piojos. Lo presentaron en la Avenida Corrientes ante miles de personas. Recorrieron Capital Federal con un camión mostrando todo su nuevo material y algunos antiguos temas. Salió desde Corrientes y Callao y terminó en el Obelisco con "Tan Solo". La presentación oficial de "Civilización" fue en el Polidepertivo de Mar del Plata los días 17 y 18 de agosto. Luego, una gira por todo el país, que los llevó por Río Gallegos, Olavarría, Rosario, Córdoba, La Plata, Bahía Blanca, Neuquén, Río Cuarto, recorriendo todo el interior del país.
Cierre de la gira Civilización 2007 [editar]

Los Piojos despidieron el 2007 en La Plata con un ritual inolvidable para los 35 mil piojosos que allí estuvieron y también para la banda. Es que los problemas con la intendencia de La Plata habían amagado con empañar la velada, pero esto no ocurrió. A pesar de haber tenido que cambiar de escenario en sólo una semana, de que la intendencia no haya cumplido ni una sola de las promesas qua había hecho y de que mucha gente se vio perjudicada por la reprogramación, pudo vivirse una fiesta. Fueron casi tres horas de canciones de todos los discos, aunque en rigor haya sido la presentación platense de "Civilización". Como en toda la gira, la puesta en escena fue espectacular y convirtió el recital en un verdadero show, como iba a pasar con sus futuras presentaciones a partir de aca. Hubo invitados: Oscar Righi de Bersuit Vergarabat (en "Llevátelo") y Tucán Bosa de Attaque 77 en varios temas de "Civilización", disco en el que participó en la producción.

"Muchas gracias, buenas noches La Plata. Queremos decirles que hoy estamos acá por respeto a ustedes y porque creo que, al igual que ustedes, amamos esto que son Los Piojos. Y ninguna cuestión política lo va a poder evitar. La decisión de no tocar fue nuestra porque sentimos que no éramos bienvenidos. Recién después que avisamos a los medios aparecieron de la Intendencia. Se nos hizo una cantidad de promesas que no se cumplieron. Muchísimas gracias por todo este amor" Estas fueron las palabras de Ciro antes de comenzar el recital.
Gira Civilización 2008 [editar]

El 2008 lo comenzaron en el marco del sol y la playa. Una vez más volvieron para Mar del Plata, y allí miles de personas agitaron al ritmo de los mejores clásicos piojosos. El 10 de febrero volvieron a Córdoba, para cerrar el festival más importante de nuestro rock local: el Cosquín Rock.

Fueron nominados a los Premios Gardel 2008 en los rubros “Mejor Álbum Grupo de Rock”; “Mejor Diseño de Portada”, “Mejor DVD”, “Ingeniería de Grabación”, “Canción de Año” (por `Pacífico´) y “Álbum del Año”.

El 5 de abril llegaron por tercera vez a river, en el marco del festival Quilmes Rock y tuvo como sorpresa, la invitación de su ex baterista Daniel Buira, quien no tocaba con ellos desde hacia 8 años, toco con su grupo de murga, La Chilinga, con un estadio repleto.

Luego del show en el Estadio de River, decidieron tocar en el Luna Park, fechas para esos 'Rituales', como los denominan ellos a sus recitales, fueron: Sabado 19, Domingo 20 y Lunes 21 de abril, con todas las localidades agotadas para todas las fechas.

Luego de tocar en el mítico estadio partieron rumbo a las tierras del viejo continente, presentaron el disco en España. Los Piojos se presentaron dos veces en España, el 1º y el 2 de mayo: Primero en el Festival Viña Rock (en Albacete) y al día siguiente en la Sala Assaig de Mallorca.

La vuelta a la Argentina los encontró en la provincia de Santa Fe, donde se presentaron en la ciudad de Rosario (Estadio cubierto de Newell's Old Boys) los días 9 y 10 de mayo.

En septiembre de 2008, se alejo del grupo Daniel Piti Fernández su reemplazante seria la voz del grupo Catimbao de reggae, Juanchi Bisio. Quien debutaría como guitarrista en el Willie Dixon, ubicado en la ciudad de Rosario, totalmente repleto de gente.

A finales de septiembre, emprendieron un viaje a Europa, para hacer la gira europea, y se presentaron en Alemania, España e Italia.

Luego de una gran repercusión en el viejo continente, volvieron a la Argentina, para presentarse, ya en noviembre, en el Quilmes Rock de Rosario (Santa Fe), En el Estadio Cocomarolla (Corrientes), en Neuquen y Caleta Olivia.
Cierre de la gira Civilización 2008 [editar]

Luego de hacer los shows en Rosario, Corrientes, Neuquen y Caleta Olivia anunciaron 4 Luna Park, para los días 10, 11, 12, 18 y de diciembre, haciendo record por ser la banda que mayor veces se presentó en el Luna Park, en tan solo 1 año, hicieron 11 presentaciones en el estadio.
Gira Civilización 2009 [editar]

Nuevamente el nuevo año, los encontró en la ciudad de Mar del Plata, para hacer la primer presentación de sus 20 años, con todas las entradas agotadas. Luego de su presentación en Mar del Plata, partirían hacia Córdoba, para cerrar el Cosquin Rock 2009. Luego se presentarian en el estadio de River Plate, en el marco del festival Quilmes Rock, el dia 4 de abril, con 66.000 personas.

A mediados de 2009, Los Piojos anuncian un parate indefinido, mal llamado por la prensa como "El Ultimo Ritual", ya que estos solo se toman un descanso de los escenarios. El show estaba previsto para el 14 de mayo en el Club Ciudad de Buenos Aires. Sin embargo por la velocidad con que se agotaron las entradas el show se mudó al Estadio de River Plate. Los Piojos querian que esta noticia solo la sepan sus fans, y que sepan que esto seria un parate y no una separacion, pero eso fue imposible. La noticia tuvo tal trascendencia, que salio en noticieros y diarios de toda la Argentina, no solo publicitando sin permiso el recital sino tambien informando que esto seria una separacion, cosa que a muchos de los fans molesto, ya que Los Piojos siempre apostaron al boca en boca de la gente, sin publicitar sus recitales. El 30 de mayo de 2009, el Estadio de River Plate estubo repleto, con alrededor de 75.000 personas. Parecia que el recital nunca terminaria, hasta que Andres Ciro, el lider de la banda dijo: "Tenemos que terminar por quejas de la municipalidad", y el recital finalizo con el tema "Muevelo", con gente bailando sobre el escenario.
Durante el parate [editar]

Despues de 3 meses del recital, Gustavo Kupinski, guitarrista de la banda, dijo en una nota a un blog de la provincia de Misiones, que solo se tomarian un descanso, por que toda la banda tenia proyectos en mente, que nunca se podian concretar. Es asi como entonces, Gustavo Kupinski, Pablo Guerra (Primer y ex guitarrista de Los Piojos) Sebastian Cardero (Baterista de Los Piojos), Facundo Farias Gomez (Percusionista de Los Piojos), y un integrantes mas, no de Los Piojos (Yonatan Cuellas), integran la banda llamada "Revelados". Por otra parte, Andres Ciro, tambien formo su propia banda llamada "Los Persas", formada por el, un integrante mas de Los Piojos (Chucky de Ipola, en teclados) y Juan Abalos en guitarra, Juanjo Gaspari en 2da guitarra, "Broder" Bastos en bajo y "Dr." Lulo en batería.

RIFF

Pappo el mejor de Argentina

Norberto Aníbal Napolitano (La Paternal, 10 de marzo de 1950 – Luján, 25 de febrero de 2005) guitarrista, cantante y compositor de blues, rock y metal argentino, conocido artísticamente como Pappo y apodado «El Carpo». Fue integrante del grupo Los Gatos, de Los Abuelos de la Nada a fines de los '60, de Manal, Conexión Nº 5 y La Pesada del Rock and Roll; y fundó Pappo's Blues en los '70 y Riff en los '80, bandas con las que tocaba en forma simultánea.
Contenido
Norberto «Pappo» Napolitano fue uno de los fundadores del género musical conocido como «rock nacional» en Argentina, a fines de los años 60.

En 1967, Miguel Abuelo fundó Los Abuelos de la Nada, y reclutó a Pappo para la formación original. Un año después editaron varios simples donde Pappo no aparece (tocaría Claudio Gabis), aunque existe un tema - «La Estación»; fue el único registro oficial del paso de Pappo en el grupo (que solo fue editado en distintas recopilaciones), ya que al tiempo renunciaría a Los Abuelos por no poder imprimirle un estilo definitivamente «blusero» como él quería.

En 1969, el joven Pappo (19 años) fue convocado por Litto Nebbia para reemplazar al guitarrista Kay Galifi en la banda Los Gatos, que ya era un conjunto ícono del rock argentino. Con ellos grabó dos discos: Beat Nº1 y Rock de la Mujer Perdida, que no casualmente son considerados los más «duros» de la discografía de Los Gatos. Incluso el nombre del segundo LP debió ser modificado por la censura existente en el país (iba a llamarse «Rock de la Mujer Podrida).
Pappo en vivo
Pappo's Blues

«Pappo's Blues» estaba formado originalmente por Pappo, en guitarra, David Lebón en bajo y el baterista Black Amaya. Sufrió constantes cambios en su alineación, con Lebón y Amaya registraron el primer disco en 1971, en el segundo de '72 tocarían Juan Piñata en el bajo y Black y Luis Gambolini en bateria. Para el tercer álbum, ya la alineación era otra: Pomo en batería y Machi Rufino en bajo y coros. Para grabar la cuarta placa, en 1974, retornaron David Lebón (pero en guitarra) y Black Amaya (batería) y se incorporaron Alejandro Medina en bajo e Isa Portugheis en percusión. En 1977-78 volvió de Europa y formó Pappo's Blues, con Conejo Jolivet, en guitarra, Julio Candia en bajo y Marcelo Pucci en batería. Compraron un colectivo, e iniciaron una gira, por la costa atlántica; tocaron en Necochéa, sin ensayar, dado el conocimiento de los integrantes, de la música de Pappo. Tocaron en Rafael Castillo, para Luci, un conocido empresario del Rock; también en Lanús y Avellaneda; se presentaron en el programa de Léo Rivas, para Canal 2; tocaron en Baradero y se desarmaron. Tras la fugaz experiencia de Aeroblus con el ex Manal Alejandro Medina y el baterista brasileño Rolando Castello Junior a fines de los '70, en los '80 fundó su segunda gran banda, Riff, integrada por Michel Peyronel, Boff, Vitico y en algunos discos con JAF, donde dejó de lado el Blues y se acercó al Heavy Metal. Con Pirimpimpin Geniso como productor de Riff y también de Dulces 16, las dos bandas, tocaron juntas, en el Cine Premier, de la avenida Corrientes. La audiencia, comenzó tirando cohetes, a los Dulces, pero la banda, se ganó el respeto de la audiencia de Pappo, a puro rock & roll, secundando con honores a Riff. Pappo, tocó con grandes del rock y el blues argentino e internacional, entre ellos, John Bonham de Led Zeppelin[cita requerida], Lemmy de Motorhead[cita requerida] y el bluesman norteamericano B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994.[1]

Conejo Jolivet (guitarrista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota[2] , Bluesbanda, Dulces 16[3] [4] , Pappo's Blues[5] [6] [7] ), fue llamado, por su amigo Pappo para formar Riff, pero este se negó por tener contrato con Dulces 16, recomendando a Pelusa Serafine, quien luego fuera llamado Boff. Conejo llegó a tocar en Riff cuando en una oportunidad, Boff no pudo viajar a Uruguay, sacando los temas de Ruedas de Metal, en el viaje, escuchandolos en un walkman, tocaron en el estadio cerrado de Peñarol, de Montevideo. A fines de los 80 Pappo, emigró a Los Ángeles y regresó en 1990 con una banda integrada por músicos norteamericanos, llamada Widow Maker. Tras una gira por Argentina y algunos países sudamericanos la banda se disolvió. Rearmó Pappo's Blues y Riff y durante los '90 tocó con estas bandas o como solista simultáneamente. En los 90, Conejo Jolivet, fue llamado nuevamente por Pappo, para Pappo's Blues, tocaron en: The Roxy (Capital), Condon Club (Capital), en Rosario y giraron por la Patagonia y sur de la Costa Atlántica en: Neuquén, Caleta Olivia, Comodoro Rivadavia, Plottiers, Las Grutas, San Bernardo, La Plata, Tigre, Wilde y para terminar, en el Gran Rex, de Capital, siete noches junto a BB King. Tocaron en el Canal Once (TELEFÉ) de Capital Federal, Buenos Aires; en Ritmo de La Noche, programa n1º en rating conducido por Tinelli, junto a un invitado especial: Hubert Sumlin, guitarrista de Howlin Wolf; la actuación fue vista por televisión hasta en la ciudad de New York, USA. Pappo y Conejo Jolivet,también fueron juntos a Obras Sanitarias, el día que Pappo tocó con Mike Taylor (guitarrista de John Mayall & The Bluesbreakers en los sesentas y de los Rollings Stones, en los setentas) invitado por los Ratones Paranoicos. Conejo ayudó a Taylor, con los amplificadores y sus conecciónes. Pappo superó esa noche, a uno de sus heroes. Pappo, Tony Coleman (baterista de BB King) y Conejo Jolivet, junto a Hubert Sumlin y Adrián Flores en el Samovar de Rasputín, grabaron un CD, que se regaló a Jimmy Page, guitarra de Led Zeppelin y a Robert Plant. El escenario del legendario Teatro Ópera de Buenos Aires, fue testigo de gloriosas zapadas (improvisaciones), con James Cotton (armónica de Muddy Waters) junto a Pappo, Conejo Jolivet, Luis Robinson y Botafogo, con el productor y baterísta, Adrián Flores. Entre el público, se encontraban, Jimmy Page y Robert Plant, ¡nada menos! Tocaron casi 10 horas seguidas, en Obras Sanitarias, como Pappo's Blues: Pappo, Black Amaya, Juanse, Sarcofago, July Ruth y Pato Lucas Frasca y Conejo Jolivet. También, en Obras y en el Roxy, con Deacon Johns (Pappo, Conejo Jolivet, Lucas Frasca, Luis Robinson, Black Amaya y Julie Ruth).

Después de más 35 años de trayectoria, a sus 54 años de edad, Pappo perdió la vida el 25 de febrero de 2005 en un accidente de tránsito, al caer de su motocicleta Harley Davidson y ser atropellado por un automóvil sobre la ruta 5, a la altura del km 71, en el partido bonaerense de Luján.

Entre sus obras se destacan canciones como «El hombre suburbano», «Adonde está la libertad», «Llegará la paz», «Desconfío», «Sucio y desprolijo», «Al sur de la ciudad» y «Rock and Roll y fiebre»; además de discos como «Blues Local» o «Que sea rock».
Fallecimiento

Pappo falleció el 25 de febrero de 2005 en la localidad bonaerense de Luján como consecuencia de un accidente de tránsito ocurrido en la ruta 5 a la altura del kilómetro 71, a pocos kilómetros de una casa-quinta en el Barrio Hostería San Antonio que el músico había alquilado para pasar la temporada de verano.

Según fuentes policiales, el guitarrista viajaba en su motocicleta Harley Davidson seguido por otra moto en la que viajaban su hijo Luciano y su nuera, tras haber cenado en un restaurante.Al llegar al paraje Estancia La Blanqueada, ambos vehículos se rozaron haciendo que Pappo perdiera el control, cayendo al pavimento y falleciendo instantáneamente. Posteriormente, su cuerpo ya sin vida fue arrollado por un automóvil Renault Clio que venía detrás de las motocicletas.

Sus restos fueron despedidos al día siguiente en el panteón de músicos de SADAIC en el cementerio de la Chacarita (Capital Federal, Argentina) por sus seres queridos y por una multitud de fanáticos que no cesó de corear sus canciones y su nombre.

En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires se ha levantado un monumento a su memoria, situado en la plaza Roque Saenz Peña (Juan B. Justo, Boyacá, Remedios de Escalada de San Martín y Andrés Lamas).

En honor al músico un estudio fue ignaugurado en el 2008 en la radio Rock And Pop el cual lleva su nombre y ya tocaron muchísimas bandas de gran reconocimiento como son Rata Blanca, Divididos y Almafuerte entre otras. El nombre del estudio fue elegido por los oyentes del programa radial que conduce Mario Pergolini diariamente en esa misma radio los cuales participaron mediante su voto.

Viejas Locas Bio. y Vuelve

Viejas Locas es una banda argentina de Rock Stone que comenzó durante la década de los 90. Se originó en Buenos Aires, siguiendo la línea de las bandas influenciadas por los Rolling Stones y también por el género del blues. Este particular estilo es conocido en Argentina como rock rolinga, rock stone

En el año 2000, la banda se separó dando comienzo a tres bandas paralelas por parte de antiguos fundadores de Viejas Locas, que son Intoxicados (Pity y Abel), Motor Loco (fachi) y La Lengua (pollo).

Su regreso tuvo lugar en el estadio José Amalfitani (del Club Atlético Vélez Sársfield) de la ciudad de Buenos Aires, el 14 de Noviembre de 2009.
Contenido

La idea del nombre fue del primer cantante de la banda, Mauro Bonome. («Siempre dijimos que si tuviéramos una banda, le pondríamos de nombre Viejas Locas.»)

Las letras de Viejas Locas incluyen referencias al consumo de la marihuana y el alcohol, ejemplos son la canción «Legalícenla» o «Botella». También es posible ver en el logo de la banda unos ojos cansados con hojas de cannabis alrededor. Por otro lado, hay otras canciones que tienen que ver con mensajes más sociales como "Niños", o crítica personal; Una espina en el ojo. Por último, los temas de amor y relaciones pueden ser encontrados normalmente en las letras.
Historia [editar]

La historia comenzó en un aula del colegio Comercial Nº 12 de Villa Lugano, en el sur de la ciudad de Buenos Aires. Donde, entre un recreo y el otro, tres compañeros de colegio gestaron la idea de armar una banda para pasar el tiempo. «Siempre decíamos que cuando tuviésemos una banda le íbamos a poner Viejas Locas, porque mi apodo al final resultaba divertido» cuenta Mauro Bonom, primer cantante de la banda. Todos pertenecían a Piedrabuena, un complejo de monoblocs que se encuentra entre Mataderos y Lugano, limitando con Ciudad Oculta, en donde la mayoría de los jóvenes transcurrían sus días entre el colegio, parar con los amigos y descubrir el mundo del arte en el Centro Cultural Juan Carlos Castagnino.

La primera formación de Viejas Locas fue: Mauro Bonome (voz), Fachi (bajo) y Diego Catoni (guitarra). Con esta formación la banda comenzó a realizar covers de los Rolling Stone y de Pink Floyd. De todos modos, a la banda le faltaba un baterista. Buscándolo se encontraron con Cristian "Pity" Álvarez, quien hacía seis meses que estaba aprendiendo a tocar la guitarra y andaba buscando una banda donde tocar; se reunieron y Pity llevó a un amigo, Gastón Mancilla, quien ocupó ese lugar vacío de baterista.

Viejas Locas debutó en Acatraz el 3 de noviembre de 1990 y desde un comienzo Pity empezó a destacarse entre los integrantes, ya que era él quien hacía la mayoría de los temas. El quinteto debutó con dos temas propios: «Buey» y «Descansar en paz». Para juntar gente para el debut, ellos mismos fueron publicitándose por la ciudad y entre los amigos, logrando reunir 60 personas esa noche. Durante los años siguientes hicieron doce presentaciones, tocando varias veces en Cemento, La Luna y Shangai.

Casi se produjo la separación, debido a que los tres fundadores (Mauro Bonome, Bachi y Diego Cantoni) se desinteresaron del proyecto y decidieron direccionar sus vidas hacia otros horizontes. Pero Pity no se desalentó y así fue que incorporó nuevas personas a la banda para continuar; a Pollo lo llevó el bajista, Bachi, antes de dejar la banda; y a Fachi lo trajo el Pity, con quien en otro momento ya habían tocado juntos. Fachi trabajaba junto a la madre de Abel, el cual se integró a la banda. Lo curioso es que sin saberlo, El Pollo y Abel sin conocerse ya seguían a la banda por lo cual aceptaron esta propuesta inmediatamente. Pero todavía faltaba un cantante, probaron a varios pero como ninguno los convencía, entonces Pity decidió hacerlo. Más tarde ingresaron como integrantes estables Peri (armónica), Juancho (saxo) y Burbujas (piano). A partir de entonces fue como comenzar de nuevo. Circularon por pubs pequeños compartiendo escenarios con otras bandas. De esa manera se sumaron fechas hasta que llegaron a tocar en el Viejo Correo.

Las letras, como ya se mencionó, en su mayoría son de Pity, quien cuenta: «Es natural en mí hacer las letras. Es un flash, porque no podés programar hacer una letra para la gente, hacer un tema pensando en algo. Es algo que pinta. A veces, estoy durmiendo y se me ocurre un re-tema, y por no levantarme, cuando me levanto ya me lo olvidé. Estas son sencillas, pocas comparaciones, ninguna metáfora, son bien directas, historias que las entendemos rápido."

Lo social les preocupaba, no tanto lo político; las letras son de temas sociales y comunes con el público.

La popularidad de Viejas Locas creció gracias al «boca a boca» y a la creatividad nacida de un bajo presupuesto. Como las pintadas con aerosol y una nueva estrategia publicitaria, barata y efectiva: pegar calcomanías junto al timbre de los colectivos. Todavía hoy hay estampadas en los 155, 180 y 126 que salen de Mataderos: Viejas Locas R n'R. También planearon otras formas de atraer a más seguidores al grupo, entonces cargaban todos los domingos con sus equipos para actuar gratis en el Parque Centenario.

Ya para 1993, tras haberse presentado en varias ocasiones en el desaparecido local La Cueva, los dueños los convocaron junto a otras bandas para que participaran de un compilado que se llamado «Una noche en La Cueva». Los temas con los que participó Viejas Locas fueron: «Eva» (con una versión algo cambiada a la conocida) y «Tirado en la estación», tema que no se encuentra en ninguno de los tres discos que la banda posee hasta el momento. Esto fue para la banda una mala movida, porque firmaron un contrato y después estuvieron mucho tiempo hasta que por medio de abogados lograron rescindirlo.

Pero Viejas Locas siguió tocando y en 1994 grabaron un demo que repartían gratis en los shows de Die Schulse, Museo Rock y New Order. Esa forma de publicidad los favorecía, porque los fans escuchaban los casettes, se los pasaban a sus amigos y así se iba haciendo, de a poco, una pequeña pero creciente legión de seguidores. En uno de los tantos shows que el grupo ofrecía en Capital Federal, los vio un representante del sello discográfico PolyGram (el mismo que llevó a La Renga a esa discográfica). Se quedó impresionado por la química que se establecía entre la banda y su público. Este los contrató para la multinacional y así fue como editaron su primer disco.

Entraron a grabar a mediados de ese año pero el disco recién salió a principios de 1996. El título del CD debut fue «Viejas Locas», en donde se destacaron el corte «Intoxicado», «Nena me gustas así» y el hit «Lo Artesanal». Mientras grababan este disco, llevaban 600 personas a Club X y tocaban en Cemento solos, e inclusive fueron invitados a tocar en un evento importante como el de los 30 años de rock nacional, el 8 de noviembre de ese añ.o Cuando salía el disco ya habían pasado 8 meses y ya lo temas se habían modificado. La producción artística estaba integrada por Néstor Vetere y Amilcar Gilabert; el técnico de grabación también fue Amilcar Gilabert; Asistente de grabación Gastón Gilabert, grabado en los estudios SONAR.

Los shows continuaron y cada vez aumentaba más la cantidad de público que seguía a la banda. Hasta que en 1997 entraron nuevamente a un estudio de grabación para registrar los nuevos temas y darle forma a lo que sería «Hermanos de Sangre», el segundo trabajo de Viejas Locas. Para este disco se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor, cosa que finalmente no sucedió. El primer tema de «Hermanos de Sangre» que sonó en las radios fue «Perra», del se hizo un video. También se hizo un video de otro de los temas que fueron difundidos: «Aunque a nadie ya le importe». Este es un gran video que pinta a la perfección el sentimiento del tema.

Con «Hermanos de Sangre» la popularidad de la banda aumentó más y se le presentó a Viejas Locas una gran posibilidad: tocar como soportes de los Stones. Cuando se supo que Los Rolling Stones volverían a tocar en Buenos Aires todo el mundo pensó que los Ratones Paranoicos serían nuevamente los teloneros. La cuestión fue que los Ratones no cerraron el tema dinero con la productora (ellos querían más de lo que se les ofrecía), así que inmediatamente se pensó en Viejas Locas. Participaron como teloneros en cuatro de los cinco shows que los Stones dieron en River, además en estas presentaciones estrenaron un set de vientos. Ser soportes de los Stones les permitía poder ser vistos y escuchados por mucha gente, quienes también pudieron apreciar el show de trapos y bengalas que se daba en los recitales de Viejas Locas en Cemento.

Luego de esta satisfactoria experiencia dieron un show gratis en Quilmes para todos los seguidores que no pudieron pagar la entrada para estar en River. Este recital marcó el récord de asistencia en un show de Viejas Locas: 10.000 personas.

Antes de entrar a grabar el tercer disco de la banda, se produjo otro gran acontecimiento que esperan todas las bandas de rock en la Argentina: tocar en Obras. Al show asistieron algo más de 5.000 personas, y contó con la participación en guitarra de Chizzo de La Renga. Además estrenaron «Legalícenla», un tema a favor de la legalización de la marihuana que sería incluido en el tercer disco.

Después del debut en Obras, volvieron a meterse en un estudio para grabar «Especial», que contaba con el prestigioso productor Nigel Walker. El disco salía a fines de marzo y el tema elegido como primer corte de difusión, «Me gustas mucho», fue un éxito que llego a estar al tope del ránking de la Rock and Pop. El éxito de «Me gustas mucho» le dio más difusión a la banda, que pudo realizar una gira por el sur del país y también visitar países limítrofes como Paraguay. Al volver la banda se volvió a presentar en Obras ante más de 6.000 personas. Nuevamente estuvo presente Chizzo de La Renga en el tema «Botella». Con las imágenes de este recital se hizo un video del tema «Me gustas mucho». Más tarde se volvió a hacer otro video del tema «Todo sigue igual», que combinaba imágenes de la primera época de la banda y del último show en Obras.

Sin embargo, estando en pleno éxito comercial, los chicos no olvidaron sus raíces humildes y mantuvieron bajo el precio de las entradas a sus shows porque decían conocer en carne propia los límites de su público.

A mediados de 2000, Pity se retiró de la banda y realizaron un último recital en La Matanza, sin anunciar que sería el último.

«La separación de una banda es como pelearse con una chica con la que estuviste casado diez años: no la aguantás más, pero todavía tenés sentimientos hacia ella. Yo me fui de la banda.» comentaba Pity en una entrevista para Página/12 (26 de diciembre de 2001).

De esta disolución surgieron tres bandas: Intoxicados (con Pity y Abel Meyer), Motor Loco (la banda de Fachi) y La Lengua (la banda de Pollo).

En el año 2002 salió un CD recopilación titulado «Sigue Pegando - Grandes Éxitos», que contenía los más grandes éxitos de Viejas Locas y un tema inédito: «El hombre suburbano», con la participación de Pappo en guitarras. A mediados de 2003 se editó el DVD «Viejas Locas», que contenía un recital grabado en vivo en el estadio Obras y 6 videoclips de la banda.
2009 - El regreso [editar]

El sábado 4 de julio de 2009, Cristian "Pity" Álvarez volvió a subirse a un escenario tras su ausencia por rehabilitación. El extravagante músico tocó tres temas de Viejas Locas junto a Motor Loco, la banda liderada por Fabián "Fachi" Crea, en La Reina. “Perra”, “Simpática demonia” y “Botella”, fueron la sorpresa en la madrugada porteña, anticipando y confirmando el regreso de Viejas Locas.

El día jueves 10 de septiembre de 2009 en Puerto Madero la banda dio una conferencia de prensa donde los músicos confirmaron que volverán a los escenarios el día 14 de noviembre de 2009, en el estadio de Vélez Sarsfield. Además, estarían preparando un disco nuevo con material original, y una gira nacional.[1]

“Los convocamos acá para anunciar formalmente el regreso de Viejas Locas”, dijo Pity al subir al escenario y agregó que hace muchos meses que vienen ensayando y que vuelven “un poco más responsables que siempre”.[1]

La banda regresa sin la presencia de Sergio Toloza, el “pollo”, quien será reemplazado por otro guitarrista. “El Pollo no está porque no se quiso sumarse al proyecto, nosotros lo invitamos pero esa fue su decisión personal”, dijo Pity.[1]

Así, el nuevo capítulo de la historia de Viejas Locas sería escrito por: Pity (voz y guitarra); Fachi (bajo); Abel Meyer (batería) -los únicos músicos originales-; Peluca (guitarra), de Motor Loco; y Gabo (teclados), ex Motor Loco y actualmente en Hijos del Oeste.

El líder desmintió que Viejas Locas se haya disuelto por asperezas internas aunque reconoció que “si una novia te cansa, cinco más”.[1]

Finalmente, afirmaron que “volvieron para quedarse” y que realizarán una gira a nivel nacional que incluirá a todas las provincias.

Para confirmar su regreso el 14 de Noviembre de 2009 se estaran presentando en el estadio de Velez Sarsfield, para comenzar el nuevo ciclo de la banda más emblematica del Rock and Roll Barrial Argentino, Viejas Locas.

El show se realizo ese 14 de noviembre con disturbios y represión policial. Esto se debió a que minutos antes de que empezará el show los organizadores no dejaron ingresar más gente, generando la bronca de la multitud que se encontraba afuera con sus entradas. Esto dejo un saldo de 1 muerto, 30 heridos y otros 40 detenidos.